lunes, 18 de julio de 2016

05. LA ADAPTACIÓN Y GRABACIÓN DE ÉXITOS INTERNACIONALES (COVERS) Y SUS INTÉRPRETES ORIGINALES

      ¿Quedaba algo por indagar sobre la obra de Carlos Gardel?.    La respuesta es un categórico ¡sí!.    Se han escrito docenas de libros sobre su vida, obra, músicos que le acompañaron, autores, compositores, composiciones propias, interpretaciones, grabaciones, films, aficiones, viajes, teatros en los que actuó, hoteles en los que se hospedó, amistades, colaboradores, anécdotas, lugar de nacimiento, familia y mil cosas más, pero sobre el origen y los artistas originales de sus interpretaciones de otros éxitos extranjeros, jamás leí nada.     Ello llamó mi atención y hace muchos años ya, me puse a la búsqueda de los antecedentes de cada uno de estos, hasta hoy, ignorados espejos en los que se miró nuestro genial intérprete, para realizar sus versiones de dichos éxitos internacionales (covers en el mundo anglosajón).

     La época en que realizó los mismos es bastante amplia, pues abarca desde 1920 hasta 1933 (prácticamente toda su carrera), si bien es cierto que se intensificó notablemente a partir de sus primeros viajes al exterior en 1923, cosa lógica por otro lado, dadas las inevitables influencias que estos ejercieron sobre él.

      La nómina de estas interpretaciones comienza el 10-6-1920, cuando con el único acompañamiento de José Ricardo realiza el primer registro fonográfico de un éxito extranjero, “Asómate A la Ventana”, el cual fue editado como por costumbre tenían, como cara B de "Porque Te Quiero" interpretado por el dúo, siendo con ello, un ejemplo claro del contraste existente entre esa opción y la del intérprete solista que a medio plazo habría de imponerse por derecho.    Al registro le correspondió el número de matriz, a 332 y de catálogo 18029-B, acreditándose la autoría en el disco a José Ricardo y Luis Romero, realizándose tan sólo una toma del mismo.

      A continuación, entrando ya en materia con respecto a lo que se pretende sea este capítulo, ampliamos lo que conocemos sobre dicho título.


    



Asómate A la Ventana
 (Alejandro Flórez Roa)



     Realmente se trataba de un bambuco colombiano compuesto alrededor de 1886 por Alejandro Alfredo Flórez Roa (1866, Chiquinquira (Bocayá) (Colombia) - 1901 Bogotá (Colombia));  hermano mayor de Julio (el inspirado autor del pasillo "Flores Negras", posteriormente también interpretado por Gardel). 




 El autor de la letra y música de este aplaudido tema, Alejandro Alfredo Flórez Roa.



    A esta obra, que algunos autores (obviamente contaminados los unos de los otros) erróneamente, dieron por afirmar que previamente había sido titulada "Serenata" (probablemente sin haber escuchado ni contrastado las letras ni las melodías de las mismas, dado que según la prensa especializada de la época, nunca se encontró entre las más populares de sus intérpretes), que efectivamente existe, tratándose de un pasillo (no de un bambuco) y que fue compuesta por J. Gondrona y J. S. Uribe;  en las voces del Dúo, Pelón y Marín, fue registrada en Septiembre de 1908 en la sucursal mejicana del sello Columbia, con el número de catálogo C395 y que, ¡créanme!, realmente la única alusión a una ventana que se hace en la misma, lo es en el tercero de los cinco versos que la componen, en el que se dice - yo mientras tanto, al pie de tu ventana... - (en clara referencia a lo que fue a hacer allí el personaje (¡cantar una "serenata"!)), no teniendo ni una sola línea melódica que tenga el mínimo parecido con la obra que estamos tratando, lo cual afortunadamente hoy, si lo desean, pueden corroborar Vds. fácilmente en Internet. 



Etiqueta de dicho sello discográfico perteneciente a otro título previo al citado con interpretación de los mismos artistas.
   

    En cuanto al pedido de que le interpretasen dicha obra y el comentario atribuido a Jorge Luis Borges sobre la calidad y belleza del último verso de que se compone la misma, teóricamente realizado en "La Casa Gardeliana" de Medellín (Colombia) en su visita del 18 de Noviembre de 1978, y adosado siempre al mismo relato, por un par de razones de peso, prefiero no entrar a valorar.    La primera me parece totalmente innecesaria en base a que el insigne literato, en vida, ya dio buenas y abundantes muestras de la exigencia y exquisitez de "su oreja", cuando no desaprovechó ocasión alguna, dentro y fuera de su país, de menoscabar el tango que interpretaban Gardel y sus guitarristas.    Y la segunda, referente al "Ilustre" creador y propagador del absurdo bulo, por no encontrarse ya entre nosotros y por consiguiente, no poder defender ni explicar, las extrañas razones (que indudablemente las tendría) que le llevaron a la creación de tan aberrantes fábulas;  aunque verdaderamente...  la cosa,  ¡tiene migas!.



Otra etiqueta del mismo sello perteneciente a otra interpretación instrumental del mismo título, a ritmo de danzón, también realizada en Cuba algún tiempo después, dentro de la misma serie C.    Como se puede apreciar, el director de la orquesta que realiza el arreglo, también se adjudica la titularidad.


      Aclarado esto, nos centraremos ya en el precioso e histórico "Asómate A La Ventana", cuya primera grabación en disco conocida hasta la fecha, fue en efecto realizada para el mismo sello discográfico y en las mismas fechas por los trovadores colombianos, Pedro León "Pelón Santa Marta" Franco Rave (1867 - 1952 Medellín (Colombia)) y Adolfo Marín (1882 - 1932), en Ciudad de Méjico, sin poder precisar aún el número de catálogo que le correspondió.    Este dúo (indiscutibles pioneros del folclore de su país), sigue teniendo todavía en nuestros días el reconocimiento como tales por parte de sus paisanos, los cuales los rememoran periódicamente, reeditando su obra.   




              

Los componentes del dúo, el antioqueño Pedro León ''Pelón Santa Marta'' Franco Rave  (1867 - 1952 Medellín (Colombia))  y  Adolfo Marín  (1882 - 1932).    Fotos de E. Bermúdez.



     En cuanto a cómo le llegó el conocimiento de la misma al Zorzal, tal cual dijimos arriba, es obvio que fue a través de su único guitarrista por aquella época, dada la adjudicación por parte del mismo de la autoría en la etiqueta del disco, que armados de buena fe, se supone referida a la realización del arreglo musical y que se registró en Bs. As. con número de catálogo, a 18029-B el 10 de Junio de 1920.  
            
                
                 Créditos interiores del CD vol. 1920-1921 de la colección Todo Gardel de Altaya editada en Argentina y Méjico en 2001 y en cuya posición 7 aún se puede ver como se adjudica esta obra a José "El Negro" Ricardo Soria.


      La obra pronto alcanzó popularidad y difusión, a pesar de la exigüidad de medios difusivos de la época, siendo también llevada al disco el 1-11-1911 (nueve años antes que la versión de Gardel), bajo número de catálogo 63257-A en el sello Victor en La Habana (Cuba), por el Dúo compuesto por Floro Zorrilla y Juan Cruz.


Obsérvese la ausencia de créditos para el autor.






 “To Jenny”   

(“Hay Una Virgen”)

(Lord Byron) 


     La siguiente de estas interpretaciones la lleva a cabo el 26-9-1920, cuando bajo número de catálogo 18022-B, realiza el registro fonográfico de “Hay una virgen”, tema adaptado y musicalizado por Mario Pardo y Manuel Flores, sobre el poema “To Jenny” de Lord Byron y acompañado tan solo por la guitarra de José “El Negro” Ricardo, el cual volvería a grabar diez años después, el 4 de Noviembre de 1930 con tres guitarras (Barbieri, Aguilar y Riverol), ambos en Bs. As..

     A continuación se muestra el verso completo de Lord Byron, resaltando en negrilla aquellas cuartetas que tomaron los adaptadores para realizar la versión que inmortalizara Gardel.



Lord George Gordon Byron  (6º Barón Byron)  (22 de Enero de 1788, Dover, Reino Unido - 19 de Abril de 1824, Mesolongi, Grecia).


Hay una virgen de alma cariñosa,
tan tiernamente al corazón unida,
que separar su vida de mi vida
fuera lo mismo que romper las dos.

Hay un semblante pálido y hermoso
que siempre miro porque está en mi alma,
y que en la sombra de la noche en calma
vela con mi ángel cuando duermo yo.

Hay unos negros ojos, adormidos
a la sombra ideal de la pestaña,
cuya mirada celestial empaña,
la tristeza dulcísima de amar...

Ojos que buscan en los ojos míos
el idioma del alma silencioso;
ojos dichosos si me ven dichoso,
ojos que lloran si me ven llorar.

Hay la flor de una boca purpurina
que tan sólo mis labios han opreso...
Allí temblaba el inefable beso
del alma casta en su primer amor.

Hay una voz más grata a mis oídos
que el eco de una música del cielo,
voz de vaga ilusión, voz de consuelo
para el alma cansada de dolor.

Hay un cabello derramado en rizos
que entreteje mi mano cariñosa,
una cabeza lánguida y hermosa
que dulcemente desmayando va.

Hay un seno de amor, tibio y tranquilo,
donde reclino pálida mi frente
cuando la copa del dolor, ardiente,
el alma mártir apurando está.

Hay un amor tan grato como el sueño
que tuviera un arcángel en la gloria,
un amor para el mundo sin historia,
un amor que no sé cómo llamar.

Dos vidas que antes de encontrarse fueron
dos mitades de un alma desprendidas,
hoy, al hallarse para siempre unidas,
¿quién las puede de nuevo separar?

Dos corazones hay que a un tiempo mismo
palpitan de placer o se entristecen,
y cuanto más en adorarse crecen
más ávidos se sienten de pasión.

Dos almas de ventura tan suprema,
que cruel, al separarlas, la fortuna...
¿al separarlas...? ¡no...! sólo son una
que eterna vive de su eterno amor.


     Como se puede apreciar a simple vista, los autores de la adaptación, simplemente se limitaron a tomar seis cuartetas del poema original e invirtiendo el lugar posicional de la mismas, al colocar la tercera y cuarta como quinta y final, conformaron esa obra maestra de referencia.    Tanto agradó siempre a Gardel esta pieza, que volvió a regrabarla con Aguilar, Barbieri y Riverol el 4 de Noviembre de 1930.

     En teoría, este registro no puede ser denominado un "cover", dado que anterior al registro de Gardel, no se tienen noticias de grabación musicada alguna del mismo, más, ¡sí! era muy popular, en los círculos poéticos de la época, por lo tanto, no lo contabilizaremos como éxito de otro artista interpretado por Gardel, pero lo evocamos como pieza muy celebrada, de la que el Zorzal se hizo eco por partida doble y por ello ordinalmente le otorgamos el número dos de esta serie.








“TRAS DE LAS VERDES COLINAS” 
(LAS AGUAS DEL MAGDALENA)
(“Rumores”)

(Francisco Restrepo Gómez y Alejandro Wills)




Francisco Restrepo Gómez  (1889 Bogotá (Colombia) - 1924)


     Fue durante la gira que realizaba el Dúo Gardel - Razzano entre Septiembre y Octubre de 1917 por Chile acompañados por "El Negro" Ricardo, cuando conocieron la existencia del bambuco de origen colombiano "Tras de Las Verdes Colinas", también conocido como "Las Aguas del Magdalena", el cual incorporaron con el título de "Rumores" a su repertorio, llevándolo al disco años después en Bs. As., con acompañamiento de aquel y Barbieri, en la misma fecha en que grabaron "Hay Una Virgen", acreditándola como propia (quiero suponer que en referencia al arreglo realizado) bajo número de catálogo, a 18024-A.   Siendo éste, el tercer registro de un éxito extranjero (otra vez de raíz fonográfica), que realizase el Zorzal (primero y único del dúo).    Esta obra fue siempre tan del agrado del Insuperado Cantor, que aún la grabó un par de veces más en el curso de su carrera.   Una el 13 de Mayo de 1933 acompañado por cuatro guitarristas (Barbieri, Riverol, Pettorossi y Vivas) bajo número de catálogo 18884-B y la otra con idéntico acompañamiento, el 11 de Septiembre del mismo año, esta vez, empleando la nueva técnica de cantar a dúo consigo mismo y número 18893-B, ambas en Bs. As..


Etiqueta de la grabación original de 1913 realizada por el dúo Escobar-Wills.


     Lo cierto y verdad es que la autoría del precioso texto cantable del mismo, era del bogotano Francisco Restrepo Gómez (1889 - 1924), corriendo la música a cargo de Alejandro Wills (24-6-1887 - 10-2-1942), quién formando dúo en compañía de su gran amigo Alberto Escobar, la llevaron al disco en el sello Victor, el 9 de Noviembre de 1913, en Bogotá (Colombia), con número de matriz L-375/1 y de catálogo 65892-A.  



    Créditos interiores del vol. 1919-1920 de la colección Todo Gardel de Altaya editada en 2001 y en cuya posición 13 aún se puede apreciar cómo se reproduce  la adjudicación de la autoría de "Rumores" al dúo que la interpreta.


    Creo conveniente aclarar que en aquellos años, los sellos discográficos no disponian de estudios propios fijos en casi ninguna ciudad del mundo, valiéndose para realizar las grabaciones deseadas, de máquinas móviles que previa concertación de fechas, desplazaban de ciudad en ciudad, allá donde sus intereses lo requiriesen.    Luego, el tema de la producción de los discos así como de la distribución, ya era otro cantar, atendido por distintos departamentos de las respectivas compañías.   Por ello, que nadie se estrañe de ver etiquetas de la Victor, por ejemplo, con todos los créditos referentes a la compañía idénticos, tanto si la grabación se había efectuado en Bogotá, como si lo hizo en Guayaquil o Madrid.  



                  
    Alberto Escobar y Alejandro Wills (24-6-1887 Bogotá (Colombia) - 10-2-1942 Girardot (Cundinamarca) (Colombia))


     De este dúo no se puede decir que fueran unos desconocidos, dado que tuvo una amplia proyección internacional, y tras recorrer toda Centroamérica, recalaron una larga temporada en los U.S.A., donde en el mismo sello discográfico en el que realizaran el famoso bambuco, registraron gran cantidad de nuevas grabaciones, llegando posteriormente a efectuar una incursión en España. 









“Je Ne Peux Pas Vivre Sans Amour”  
(“Yo No Puedo Vivir Sin Amor”)

(Charles Gabaroche y Fred Pearly)




Portada del CD de Maurice Chevalier (12 de Septiembre de 1888 - 1 de Enero de 1972, París (Francia)), en el que se encuentra una copia del título de referencia.



     El cuarto registro que realizara Gardel de un éxito extranjero, data del 24 de Marzo de 1922, cuando graba “Je Ne Peux Pas Vivre Sans Amour” (Yo No Puedo Vivir Sin Amor), la cual coloca como cara B de “Camarada“ haciendo una pequeña concesión a la moda en boga “el shimmy” y que fuera originalmente grabada en Diciembre del año anterior por Maurice Chevalier en el sello Pathé con número de catálogo 4051, curiosamente también como cara B de “Quand Il Y A Une Femme Dans Un Coin”.



Etiqueta del disco original francés de 1921.


     
    Tan prolongada fue la popularidad del tema, que, nada menos que nueve años después, volvió a incluirse en el primer film "completamente hablado en francés" realizado por el parisino para la Paramount de aquel país y estrenado el 18 de Julio de 1930, titulado "La Grande Mare" (“The Big Pond” en el mercado norteamericano y "El Gran Charco" en el hispanoamericano), coprotagonizado con Claudette Colbert y Henry Mortimer entre otros;  y dirigido por Hobart Henley.    Curiosamente, en la versión americana del film, estrenado allí el 3 de Agosto, no se incluían ni “Je Ne Peux Pas Vivre Sans Amour”, ni "Venise Chérie (Mia Cara)" siendo adaptadas al inglés las otras dos canciones interpretadas en la versión gala de este; representando a pesar de tan significativas ausencias, un tremendo éxito para el francés, que fue nominado como mejor actor a los premios Award de ese año por dicho trabajo, al tiempo que la canción "Living In The Sunlight, Lovin' In The Moonlight (La Vie Est Belle)" de Al Sherman & Al Lewis, interpretada en el mismo junto con "You Brought A New Kind Of Love To Me (Nouveau Bonheur)", le suponía su primer gran triunfo discográfico en los U.S.A., perdurando cariñosamente el recuerdo de la misma en el tiempo, de modo y manera que en 1968 el extravagante y añorado Tiny Tim, con su inseparable ukelele, hizo una exitosa y aún hoy celebrada reposición de esta, la cual fue también incluida en 1999, en el capítulo primero ("Help Wanted") de la primera temporada de la popularísima serie de dibujos animados "Bob Esponja".



              
Partituras francesas de dos de los cuatro temas que compusieron la banda sonora original de "La Grande Mare"; la primera adaptada al inglés e incluida en "The Big Pond", la segunda, no.


    Agregar por aquello del rigor histórico, que los textos cantables en francés de la tres interpretaciones estrenadas por Chevalier en "La Grande Mare", correspondían a su compatriota, el escritor, dramaturgo y poeta, Henri Battaille (Nimes 4 de Abril de 1872 - Rueil-Malmaison 2 de Marzo de 1922), los cuales musicalizaron Sammi Fain y Pierre Norman, corriendo la adaptación al inglés de dichos textos a cargo de Irving Kahal. 



Etiqueta de la versión inglesa de "Venise Chérie" en la que al margen de omitirse el título original en francés de la composición, se hace lo propio con el cantante que la interpreta.


    Al no haber tenido oportunidad de visionar el film francés, no estoy en disposición de aseverar (a pesar de lo expresado en las partituras), que en el mismo, Chevalier interprete "Venise Chérie (Mia Cara)", pues desde luego, ¡al disco!, según todas las discografías consultadas, nunca la llevó, haciéndolo con número de matriz 59742 en Victor el 12 de Mayo de 1930 con alusión al film "The Big Pond", Leo Reisman And His Orchestra con interpretación vocal de Lew Conrad, bajo el título "Mia Cara (My Dear) (Amor Mío)" y con número de catálogo 22433-B.    Otra interpretación de este tema, con el título de "My Dear (Mia Cara", la llevó al disco en 1963 en Dot Records - DLP 3470, Vaughn Monroe, como tercer tema de la cara A de su LP "Vaughn Monroe Sings The Great Themes Of Famous Bands And Famous Singers.
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Programa parisino de la projección del film de Agosto de 1930. 


            No hace falta ser muy perspicaz para darse cuenta de que este film representó (si es que aún no lo tenía decidido), la espoleta que le faltaba al Zorzal para "determinadamente" lanzarse hacia la conquista de dicho medio, dado que tan sólo tres meses después y a modo de prueba de fuego, estaba realizando en la Cinematográfica Valle la realización de los cortometrajes promocionales destinados a mitigar entre el público, su prevista larga ausencia motivada por la dedicación a la consecución de tal fin, convirtiéndose inadvertidamente con ello (tal cual se apuntó ya en un pie de foto del capítulo de presentación del presente trabajo), en el auténtico padre de lo que treinta y siete años después fue dado en denominarse en el mundo anglosajón "video clip", lo que a la postre únicamente se diferenciaba de lo realizado por el Morocho, en el soporte que envolvía al film para ser reproducido, prevaleciendo obviamente el espíritu y objetivo de la idea, que realmente es lo esencial.   

     Observando el paralelismo existente "exclusivamente" entre las andanzas profesionales de los dos artistas, es inevitable llegar a la conclusión de que Chevalier fue para nuestro gran Cantor algo más que un arquetipo en el que inspirarse...  fue un faro,  ¡una guía!.    Pues no puede ser casualidad que al margen de la decisión de hacer cine, éste se realizase por parte del Morocho en la misma compañía, mismo país, mismos estudios, mismo sello discográfico (en los E.U.A.), etc...  y ello, dejando totalmente al margen (para no alimentar más controversia de la existente sobre el asunto), el tema de la nacionalidad de ambos, aunque sí agregaremos la extensión a los U.S.A. de la ampliación por parte de Gardel de su dedicación a la misma, así como (vistos los antecedentes), la nada desdeñable posibilidad de que el Zorzal se estuviese tomando ¡más que en serio!, la posibilidad de incrementar su dominio del inglés para hacer lo propio con su carrera cinematográfica.

    Llegados a este punto, es imprescindible resaltar el gran temple del Troesma y la seguridad adquirida en sí mismo, demostrada en la prolongada negociación mantenida con la compañía cinematográfica en cuestión, conducente a originar sus logros en materia de rendimientos por derechos de exhibición de los films (25% sobre los beneficios), en los cuales no solamente superó a su paradigma francés, sino absolutamente a ¡todos! los que le sucedieron década tras década en la profesión.    Jamás ningún otro, logró tales condiciones en una empresa cinematográfica norteamericana en esa materia hasta nuestros días...  ¡nadie!;  y eso realmente, sí que es ¡todo un hito!.

      


        
Partitura del celebrado Fox-Trot, con caricatura de su popular intérprete y afiche del film en el que se repone el viejo éxito.




             
Afiches de las ediciones norteamericana e hispanoamericana del exitoso film, estrenado en España el 9 de Enero de 1931 y en Argentina el 6 de Marzo del mismo año



Este tema de Charles Gabaroche y Fred Pearly, fue popularizado en Buenos Aires en una operetta de nombre incierto por un tal “Randall”, que trabajaba en la compañía de Madame Rasimi.   La adaptación del mismo que realizara Antonio Viérgol, fue la que llevó al disco Gardel.



   
Charles Gaston Gabaroche  (1884-1961)



  
Fred Pearly  (Nacido, François Pruvost)  (1885, Argenteuil - 1972, Paris)








 “FLORES NEGRAS” 
(“Mis Flores Negras”)

(Julio Flórez Roa)




 
Facsímil de una partitura del celebrado tema, con foto del poeta colombiano  Julio Flores y reivindicación de la autoría de la composición a cargo de Rolando Vivas.


     La quinta grabación, que realizara Gardel de un "éxito" extranjero, data exactamente de la misma fecha que el anterior 24 de Marzo de 1922 (dirimiéndose el asunto ordinal por el número de matriz y catálogo de cada obra, dado que aquella ostentaba el 1069 y 18062-B, frente a esta que lo hace con los 1105 y 18066-A respectivamente), cuando acompañado por Ricardo y Barbieri, graba por primera vez el pasillo colombiano “Mis flores negras”;  tema que para el sello Victor había llevado al disco en Guayaquil (República del Ecuador) en 1914/1915 el Dúo Alvarado y Safadi, con el número de catálogo 72018-B, tal cual lo titulase su autor, es decir, sin el pronombre posesivo delante;  lo que repetiría el 12 de Junio de 1933 duplicando el equipo de acompañamiento, el cual para la ocasión lo compusieron Barbieri, Riverol, Vivas y Pettorossi, siendo este título la única incorporación de ese estilo musical que introdujese el Cantor en su repertorio.      


           
        
Foto de los componentes del dúo que llevó al disco en 1914 por primera vez, la bellísima e inspirada composición.   Nicasio Espiridión Safadi Reves (Beirut, (Líbano) 1896 - Guayaquil (Ecuador) 29 de Octubre de 1968) y José Alberto Valdivieso Alvarado (alias, "Diablo Ocioso")  (18-- - 1945).

     Sobre la autoría de la música de este tema que a lo largo de los años se han atribuido más de una docena de compositores, de los cuales por citar solamente a algunos, diremos que la nómina va desde el propio autor del texto cantable, Flores;  a Félix Scolatti Almeyda reivindicada en la versión de Gardel, pasando por el ecuatoriano Carlos Amable Ortiz, Rolando Vivas, Francisco Paredes Herrera, G. Gabrielli, Burbano, Eliseo Floril, M. Soto, Loreto, Rafael D'Agostino y un largo etc...  existiendo cierta controversia entre ecuatorianos y colombianos sobre si el famoso pasillo es de una nacionalidad o de otra, lo cual trata con una profesionalidad encomiable Fidel Pablo Guerrero Gutiérrez en su recomendable "Bibliografía de la música ecuatoriana en línea BIMEL", en la cual aclara documentalmente, los diferentes matices existentes entre la obra más generalizada de autor aún desconocido hasta la fecha y la realizada por su compatriota Carlos Amable Ortiz, dado que aporta las dos partituras en las cuales se aprecian estos y ello al margen de que frente a aquel y como otra variante, este último agrega el pronombre posesivo en singular "Mis" al inicio del título del pasillo. 



   
Fotografía que avala físicamente el exotismo y la belleza de ese tipo de color en flor y que bien pudo haber sido la fuente de inspiración del poeta en su día, aunque a mi modo de entender, él aludía a un sentido metafórico de la parte más bella de una planta


     Ya dentro del terreno de lo meramente relativo al gusto personal de cada cual, no es nada difícil leer en algunos medios de Internet, que la interpretación más popular de esta obra corresponde a un intérprete que realizase su ejecución en 1954, lo cual no comentaré por aquello tan manido de que, para gustos... ¡colores!.     Si acaso, manifestar, que los que eso afirman, aferrándose de un modo meramente generacional a tal aseveración, olvidan que la ingente masa que indudablemente pensaría todo lo contrario, no puede exteriorizar su opinión por su forzosa ausencia.



Etiqueta del mencionado 78 r.p.m.









“J’Ai Fait Trois Fois Le Tour du Monde”
(“Las Campanas” (“Tú y Yo”))

(Jean Robert Planquette)






Portada del CD de la grabación realizada en 1973, digitalmente remasterizado por EMI Music France en 2001.



     La sexta grabación de un éxito extranjero, la efectúa el 25 de marzo de 1922, es decir, al día siguiente de las dos anteriores y se trata de “J’ai fait trois fois le tour monde”, para entendernos mejor, “Las Campanas”, que ejecuta acompañado por las guitarras de José Ricardo y Guillermo Barbieri.

  
     Este tema de Jean Robert Planquette es un fragmento de la operetta en tres actos titulada “Les Cloches de Corneville”, en cuyo acto I y a modo de rondeau-valse, es interpretada bajo el título descrito. 



Jean Robert Planquette (31 de Julio de 1848 - 28 de Enero de 1903 en París (Francia))
    

     Ni que decir tiene, que a pesar de ser uno de los temas acústicos mas impresionantes de nuestro cantor, dado el rigor, la gana que le echa y el derroche de facultades que en el despliega, fue colocado originalmente como de relleno, como cara B de la tonada del dúo Gardel-Razzano  “¿Dónde estará?”.     Cuanto menos y visto con el beneficio de la perspectiva que nos proporciona el tiempo, parece chocante.

     Dada la longevidad de la pieza y la enorme popularidad que tuvo en su tiempo, es imposible determinar cual fue la fuente de la que Gardel hizo provisión, siendo lo más probable que la escuchase repetidas veces en la época que prestaba sus servicios en los teatros.    Pero indudablemente, una de las primeras grabaciones realizadas en disco de esta obra, propiciada por uno de tantos "revivals" de que disfrutó la misma, es la que efectuase según reza el catálogo francés de His Master's Voice, el 19 de Abril de 1920, el barítono M. Alain, el cual era acompañado en el resto de las partes de esta, entre otros, por Yvonne Brothier, De Creu, André Gaston Baugé (quién también la llevó al disco cuando le cambió la tesitura de tenor a barítono, años después), más un grupo de coros y orquesta;  distribuyéndose comercialmente como se puede apreciar en la siguiente ilustración, por Odeon, en medio mundo.    


La etiqueta de este disco multinacional de alrededor de 1920, fabricado en Alemania y distribuido en Francia, con interpretación del barítono M. Elain, nos da una idea aproximada de la enorme popularidad que llegó a tener este fragmento de la obra.



     Esta opereta fue estrenada en 1877 y goza todavía en los años 2000 del favor del público amante de lo clásico, prueba de ello es que se puede adquirir en nuestros días con relativa facilidad en formato CD.    No se tiene referencia de quien realizó la adaptación al castellano de la letra que interpretó Gardel. 




Libretto editado por la BBC londinense, anunciando la fecha de la retransmisión por radio de la obra en 1927.












La danza delle libellule

(“La Danza de las Libélulas” (Canción de la Gigolette))

(Franz Lehár y Carlos Lombardo)





Portada del CD alemán editado por el sello cpo en 2004.


     Esta séptima interpretación de una canción estrenada por otros, también conocida como "Fox-Trot delle Gigolette" y también "Il fox-trot delle Gigolettes", e inclusive "E’ Notte T’Invita L’Apache"; proviene de la operetta en tres actos de Franz Lehár, escrita sobre libreto de Fritz Löhner-Beda y de título original "Der Sterngucker" (El Astrónomo), estrenada el 14 de Enero de 1916 en el Theater an der Josefstadt de Viena, y que pese a ser bastante bien acogida por el público, no llegó a las ochenta representaciones, debiendo aclarar que en la versión original de la obra, éste fragmento tal cual lo conocemos no estaba incluido.  



 Franz Christian Lehár (30 de Abril de 1870, Komáron (Hungría) - 24 de Octubre de 1948, Bad Ischl, (Austria)).



     Fue unos años después, en 1922, que el empresario y director italiano Carlos Lombardo (Carlo Lombardo dei Baroni Lombardo di San Chirico (Nápoles, 28 de Noviembre de 1869 - Milán, 19 de Diciembre de 1959)), previo permiso, e inspirado en uno de los más bellos pasajes de la obra original, rebautizándola cómo "Libellentanz" y estrenada el 27 de Septiembre de ese mismo año en el teatro Lírico de Milán, incluyó en la misma el célebre fragmento al que tituló "La danza delle libellule", el cual alcanzó tal nivel de popularidad, que fue llevado al disco éste mismo año por el tenor de la misma nacionalidad Salvatore Papaccio, en el sello Phonotype bajo número de catálogo 3207, dándole en la etiqueta del disco al fragmento, el título de la obra (lo cual suele llamar a la confusión).     Posteriormente, en 1926, la obra también se representó con el título de Gigolette.  



 Salvatore Papaccio  (23 de Junio de 1890 - 25 de Diciembre de 1977, Nápoles (Italia))


     Por ésta misma época, atribuida a Arthur Maria Willner y Franz Lehár y cómo "Gigolette - Fox Trot", tambien la llevó al disco en los E. U., Paul Whiteman and his Orchestra en el sello Victor, con número de catálogo 19694 A.  



Etiqueta del disco original.



     En los mercados de influencia francesa donde la obra se denomina "La Danse des Libellules" se adjudica la autoría de la misma a Roger Ferréol, Max Eddy y Franz Lehár (los dos primeros sus adaptadores al francés), desconociéndose hasta la fecha la autoría de la adaptación que grabara Gardel, siendo muy posible que no estuviese muy alejado de esa posibilidad el arreglista Carlos Cappenberg, por su condición de conocido de Lehár, con quién trató en una de sus visitas a Viena, concretamente en la de 1922, en la cual, también conoció la balada rusa Sonia, que posteriormente y tras adaptarla al castellano, proporcionó a Gardel.

    A modo de puntualización, destaquemos que entre la grabación anterior de un éxito extranjero y esta que nos ocupa realizada en Bs. As. el 14 de Diciembre de 1923 con Ricardo y Barbieri, mediaron ¡nada menos que, veinte meses y pico!, lo que viene a significar como a simple vista es apreciable, que en la carrera del Zorzal, estos registros no eran un objetivo ni una obsesión y mucho menos base esencial de su "modus vivendi", sino cosas puntuales y muy esporádicas a las que atendía por el mero placer del agrado personal y poco más y ¡eso sí!, en la mayoría de los casos, superando con creces (a pesar de la austeridad del acompañamiento musical del que se valía), a las versiones originales.    Avala esta manifestación, el hecho de que estas interpretaciones de éxitos internacionales estrenados anteriormente por otros artistas, representan aproximadamente tan sólo un 2,83%, sobre el total de lo que se conoce fue el reperorio del Zorzal.


Libreto de 1924 de la obra en castellano, ¡ya!, con la fundamental aportación de Carlos Lombardo.    Lamentablemente no se indica en la portada el nombre de la persona que realizó la adaptación. 

  

     En el mundo de habla inglesa, haciendo dejación de la traducción literal de su título original que hubiese sido "The Star Gazer", la obra es conocida como "The Three Graces", corriendo la adaptación a dicho idioma a cargo de Ben Travers, lo cual aconteció en 1924, celebrándose la "premier performance" de la misma, el 26 de Enero según unas fuentes, o el 14 de Marzo de ese año según otras, en el Empire Theatre de Londres.

     En España, según nos indica el musicólogo Ignacio Jassa Haro, en la pág. 116 de su excelente estudio de 2010 "Con Un Vals En La Maleta" Cuadernos de Música Iberoamericana vol. 20 (ICCMU), (ISSN: 1136-5536);  esta obra se representó en 1925 en el teatro Alcázar de Madrid, con adaptación del libreto al castellano a cargo de José Juan Cadenas y Emilio González del Castillo.











“Honolulu Blues” (Tristezas de Honololú)  


(“Honolulú”)



(Maurice J. Gunsky & Nat Goldstein)



Como se puede apreciar, a los autores de los textos cantable,s de las obras, no se les concedía demasiada importancia en los créditos de la etiqueta de los discos.



     La versión más antigua que localicé de este tema, data del 6 de Noviembre de 1923 en el sello Victor, a cargo de Raymond Davis acompañado por Jack Chapman And His Drake Hotel Orchestra, con el número de catálogo 19237-B.   Estando clasificada como un Fox Trot, inmediatamente después del título "Honolulu Blus" (Tristezas de Honololú), de Maurice J. Gunsky & Nat Goldstein (Nathaniel).    Los derechos musicales de este tema los poseía en los E.U. en 1922, Milis Music.   La adaptación literaria que Gardel cantó, es de autor desconocido todavía para nosotros, llevándola al disco el 20 de Abril de 1925 con acompañamiento de Ricardo y Barbieriy por orden cronológico le corresponde ordinalmente ser la octava interpretación de una canción estrenada por otros, separándola dieciseis meses del cover anterior.




Maurice. J. Gunsky  (1888 - 1945).



      
Dos partituras diferentes de esta popularísima obra, en las cuales se le da la autorìa de la letra a M. J. Gunsky, cosa omitida en el disco a pesar de ser la ejecución cantada.




     Nótese que gracias a la aparición de este antiquísimo disco, nos ha sido posible conocer el sobrenombre oficial de "Tristrezas de Honololú", con el que también se lo conoció en su día.




Otra edición en disco del mismo título, esta de 1928, en la cual sí se da créditos al autor del texto cantable.








“Say It With A Ukelele”  


(“La Canción del Ukelele”)

("Art" Conrad)




  




     La interpretación más antigua que localicé de este tema (otro Fox Trot), cuyo título original es "Say It With A Ukelele" y cuya autoría corresponde a "Art" Conrad, data de (1917/1918) y fue editada en el sello Edison Record, con interpretación a cargo de Bailey And Bent (Tenor Duet), y con el número de catálogo 51219-L.    Este tema gozó de una tremenda popularidad en el mundo anglosajón por aquellos años, razón por la cual, aún en 1923, la llevaba al disco Irving Politzer;  y en 1924 la Roseland Dance Orchestra entre muchísimos otros.    Gardel la interpretó con la adaptación realizada por Adolfo Avilés y Enrique Pedro Maroni, el 20 de Septiembre de 1925, representando esta su novena ejecución en disco de un éxito internacional.



Partitura de esta popularísima obra.

     
     Por lo muy difundida en mil y una biografías, omitiré el relato de como Gardel supo de este tema, tan solo para hacer un apunte tipo flash, les recordaré que en alguna de ellas se asegura que le fue presentada al Dúo por el Príncipe Eduardo de Gales, en la fiesta que se le brindó en la muy celebrada visita, que éste giró a la Argentina en 1924.









“Yes! We Have No Bananas”

(“Poupée de Stamboul”)

(Frank Silver e Irving Cohn)




Cartel de 1922, anunciador de la revista musical en la que se estrenó la tan celebrada composición. 


     Este aplastante éxito jazzistico de 1923 en E. U. (Fox Trot), de título original "Yes! We Have No Bananas", con autoría de Frank Silver e Irving Cohn, quienes lo compusieron el año anterior, fue incluido por Eddie Cantor en su revista musical "Make It Snappy" que se representó en el teatro Winter Garden de Broadway entre el 13 de Abril y el 1 de Julio de ese 1922, sin embargo, cuando el 26 de Julio de 1923 decidió registrarlo en disco, lo hizo bajo un arreglo oportunista, continuador de la trama, realizado por el dúo James F. Harley & Robert King, titulado "I've Got The Yes! We Have No Banana Blues", en el sello Columbia con número A 3964, que logró encaramar al nº 1 de las listas de éxitos de dicho país durante cinco semanas;  siendo bastante extraña, la ampliación a un tercer miembro en el equipo compositor (un tal Brown), citado en el disco de la Victor Talking Machine Company 19135-A del mismo título, de Belle Baker with The Virginians, bajo la dirección de Ross Gorman. 




       
      Etiqueta de los discos citados arriba con el significativo cambio autoral, ampliado a uno más en el de la segunda imagen, pareciendo todo bastante anárquico al respecto.  


     Posteriormente, parece que ¡ya! con su título original, volvió a regrabarlo para el sello de la Compañía de la Máquina Parlante Victor; pero este dato, aún obtenido de fuente bastante fiable, está pendiente de comprobación y por otro lado, mirado objetivamente, para los efectos pretendidos por el presente trabajo y llegados a este punto, quizá carezca de importancia.     Lo que sí está bastante claro, es que probablemente y sin muchas dudas de por medio, éste sea el disco más popular de la década de los '20 en el mundo anglosajón.          


Etiqueta del disco que en teoría contiene la primera grabación del tema, siendo llamativa la traducción al castellano del título.



    Previamente, la pieza había sido grabada 91 días antes, concretamente el 26 de Abril de ese mismo año, en la Victor Talking Machine Company, Camden N. J., con el número 19068-A, por Billy Murray with The Great White Way Orchestra, lo cual, ateniéndonos rigurosa y exclusivamente a lo concerniente al título original de la composición, así como a la autoría y a la cronología, cualificarían a dicho registro, en principio, como la versión original primera llevada al disco, ¡pero claro!, olvidando el peso específico de la inclusión del mismo por parte de Cantor en su revista musical en el '22.   En fin, mera cuestión de matices temporales, en este caso, difíciles de administrar con justicia.   

     Lo cierto y verdad, es que en ese ‘23 y sucesivos, el tema fue interpretado por un interminable "All Stars", que fueron, desde The Green Brothers Novelty Band (22 días después en Edison Record), Arthur Hall with The Missouri Jazz Hounds (28 en Regal), Irving Kaufman & The Ben Selvin's Orchestra (32 en Vocalion), o Billy Jones, hasta Louis Prima, pasando por Benny Goodman & His Orchestra o Spike Jones & His Slickers, entre cientos de diversos ejecutantes;  perdurando ¡tanto! su recuerdo en el tiempo, que aún, en 1939, fue llevada al cine en el film "Only Angels Have Wings" de Howard Hawks, haciendo lo propio Willy Wilder en "Sabrina" en 1954, interpretado por Audrie Hepburn, Humphrey Bogart y William Holden, la cual tararea un fragmento del mismo mientras este suena en un tocadiscos portátil, en el velero en el que se transportaban los dos primeros.                     



          
Afiches de 1939 y de 1954 de los films citados en que se interpreta el inolvidable tema



    La adaptación al castellano que aproximadamente año y medio después de su clamoroso éxito en U.S.A. cantó Gardel, corrió a cargo de Pedro Numa Córdoba, constituyendo el décimo cover en la carrera de nuestro excelso Cantor, quién con acompañamiento de Ricardo y Barbieri, lo llevó al disco en Buenos Aires, el 6 de Noviembre de 1924.



               
                            Graciosa partitura de la celebrísima obra, que dio origen a la que podríamos dar en llamar "La Bananamania", dada la enorme popularidad alcanzada por la composición 







“SONJA, Russische BALLADE”

(“Sonia”)

(Eugen Pártos Jenő)



Primera edición en disco conocida de esta composición que data de 1921. 


     Esta bellísima balada rusa, compuesta en 1920 por  Eugen Pártos Jenő (26 de Mayo de 1896 - 1 de Septiembre de 1963, Budapest (Hungría)) que Gardel llevara dos veces al disco, una en el sistema acústico el 20 de Septiembre de 1925 y la segunda en el eléctrico el 6 de Octubre de 1927, ambas acompañado por Ricardo y Barbieri, le fue presentada al Insuperable Cantor por su adaptador al castellano, el argentino Carlos Cappenberg, quien la conoció en Austria, donde interpretada en el sello Schallplatte "Grammophon" bajo el número B 42029 por el tenor alemán Johannes Müller (el cual la registró en Berlín en Diciembre del '21), estaba de moda allá por 1922.

    Sin que sirva de precedente (pues no es el fundamento de este trabajo), quiero romper una lanza por el destacadísimo arreglo para guitarras que efectuaron para la ejecución de esta obra, Ricardo y Barbieri, dado que el modelo que tuvieron para tal fin era interpretado con orquesta.    Diríase que se hubiesen criado entre guslis y balalaikas.    Dotaron al tema de un ambiente idóneo, como siempre, ¡austero!, para que el Troesma lo rematase, como siempre...  ¡inigualablemente!.    Verdaderamente admirable.




     


Tres partituras diferentes, editadas en Scandinavia, Chequia y Rumanía, con distintos letristas, que denotan la popularidad alcanzada por la bellísima composición.


     En el país donde se inspiró la composición, fue popularizada por el tenor David Medov (también citado como Medoff) acompañado por Orquesta, en grabación realizada en N. Y. (U.S.A.) en Febrero de 1923 bajo número 7661 en el sello Columbia y que en el idioma local, llevaba impreso como título el siguiente texto: СОНЯ изъ "Летучей мыши".

  

Disco fabricado en Inglaterra conteniendo la grabación americana, de algún modo desconocido, comercializado en la recién creada URSS en 1923 o en alguno de sus países satélites


     Esta interpretación, representó la undécima de un éxito extranjero en la carrera del Morocho, aportándole un clamoroso triunfo reflejado en copiosas ventas de discos a 78 r.p.m.

    La popularidad del tema no se ha visto resentida por el paso de los años, realizándose versiones de la misma por diversos intérpretes constantemente, muy especialmente en el centro y nordeste europeo, destacando entre ellas las de Sven-Olof Sandberg, Olavi Virta, Ljubo, Duško Jakšić, Predrag Gojković Cune, etc... etc...



Texto cantable en sueco de la famosa balada.
    







“Valencia
(José Padilla)





Dn, José Padilla Sánchez  (Almería, 23 de Mayo de 1889 - Madrid, 25 de Octubre de 1960).



     Esta composición (pasodoble) de éxito mundial que realizara en 1905 el maestro almeriense José Padilla, y que en términos ordinales sería la duodécima con respecto a los covers, fue llevada al disco en los E. U. por la orquesta de Paul Whitman acompañada por el tenor Franklyn Baur, el 30 de Marzo de 1926, es decir, seis meses antes de que la interpretase Gardel. 




La inmortal composición de "mi vecino" almeriense (200 escasos metros separaban su casa natal de la de mis tios, donde me crié), tornada siguiendo la moda de la época en Fox-Trot con la participación de tres colaboradores más.



     El texto cantable que ejecutara éste, corrió a cargo de Roberto Cayol, realizándose el registro en dos tomas, en Buenos Aires, el 26 de Noviembre de 1926.



Partitura impresa en Inglaterra de la célebre composición, editada también en Francia, con texto cantable en este caso de autores galos.








“In A Little Spanish Town” 

(“En Un Pueblito de España”)

(Mabel Wayne, Sam M. Lewis & Joe Young)






Paul Whitman & His Orchestra con su cantante Jack Fulton (primero de la izquierda, sentado).


     Con autoría atribuída a Mabel Wayne, Sam M. Lewis & Joe Young; el 3 de Septiembre de 1926, Paul Whitman & His Orchestra y su cantante Jack Fulton, con número de catálogo 20266-A del sello Victor, llevaron al disco en los E. U. este éxito universal, aproximadamente dos años antes de que lo grabara Gardel con la adaptación al castellano que realizara para él, Rogelio Ferreyra.



Etiqueta original del 78 r.p.m. citado arriba.



    Este disco alcanzó al nº 1 de las listas de éxitos de dicho país, en Enero de 1927.



La inspirada y prestigiosa compositora norteamericana Mabel Wayne (Mabel Wimpfheimer) ( (16 de Julio de 1890 en Brooklyn (N. Y.) (U.S.A.) - 19 de Junio de 1978 en Glen Cove (Long Island) (U.S.A.)), que logró sus momentos más estelares con motivos hispanos.


     De este título que supuso el décimo tercer cover en términos ordinales, realizó Gardel dos registros distintos, con dos tomas diferentes en cada sesión;  la primera tuvo lugar el  16 de Agosto de 1928 y la segunda el 6 de Septiembre del mismo año;  ambas en Buenos Aires. 



Una de las innumerables partituras de esta mundialmente aclamada composición.









“Ramona”

(Mabel Wayne)






Etiqueta de probablemente la primera edición en disco de la popular obra.


     Esta composición de Mabel Wayne de 1927, estrenada como pieza de acompañamiento al piano en la proyección de películas del cine mudo, fue llevada en los E. U. al disco, el 4 de Enero de 1928, por Paul Whitman, Jack Fulton & Austin Young;  siendo vuelta a grabar en el mismo país tres meses más tarde, concretamente el 2 de Abril por Gene Austin;  y por Dolores del Río el 6 de Mayo del mismo año, quien la inmortalizó para la posteridad al interpretarla en el film del mismo título.




          


    
     Gardel la llevó al disco el 11 de Octubre de 1928 en París, con la letra que le adaptó para la pertinente grabación Enrique Cadícamo, siendo este su décimo cuarto cover, y comenzando así el quinteto de estos consecutivos provenientes de dicho origen "El Cine", lo cual puede explicar con gran claridad, el influjo que desde el primer momento tuvo dicho medio en el Cantor, así como el convencimiento de éste a entender que ¡ese! era el infalible camino del futuro.    Ese camino que habría de conducirlo inexorablemente a la eternidad.



Partitura que reitera el agradecimiento a la actriz que inmortalizó la obra, en el film homónimo.








“The Divine Lady” (Lady Divine)

(“La Divina Dama”)

(Richard Kountz y Nathaniel (Nat) Shilkret)



 


     Interpretada la primera parte de la misma por un cantante al que los créditos no identifican, esta canción (de título original Lady Divine) (1928), con letra de Richard Kountz y música de Nathaniel (Nat) Shilkret, transcurre a través de un disco Vitaphone, durante la exibición de los mismos en el inicio del film de Frank Lloyd del 31 de Marzo de 1929 "The Divine Lady" (retitulado en castellano "Trafalgar"), el cual fue adaptado al cine por Harry Carr, Forrest Halsey, Agnes Christine Johnston, y Edwin Justus Mayer, de la novela "The Divine Lady: a Romance of Nelson and Emma Hamilton" de E. Barrington y ganó el premio Award a la mejor dirección del mismo año.    



Nathaniel (Nat) Shilkret (25 de Diciembre de 1889; Queens, NY - 18 de Febrero de 1982; Franklin Square, NY), ante el mismo micrófono al que se enfrentaría años después Gardel.


     Precediendo al final del film, coincidiendo con la expiración del almirante Nelson, es nuevamente interpretada la segunda parte de la canción por una cantante tampoco identificada. 



  Edición inglesa del célebre tema interpretado por su compositor.


     La adaptación al castellano para la interpretación de Gardel, corrió nuevamente en esta ocasión a cargo de Enrique Cadícamo, siendo este el décimo quinto registro de un éxito internacional que realizase el Cantor.









“Ich Küsse Ihre Hand, Madame”

(“Yo Beso Vuestra Mano, Señora”)

(Fritz Rotter y Ralph Erwin)





Portada de un doble LP del famoso tenor, editado en el sello Pearl en 1979.



     Este tema de Fritz Rotter y Ralph Erwin (también conocido con el seudónimo de: Harry Wright), cuyo título original en alemán es "Ich küsse ihre hand, Madame", fue grabado en Octubre de 1928 por el tenor austriaco Richard Tauber, dando posteriormente origen a un film de Robert Land estrenado en Enero de 1929 con el mismo título e interpretado por Marlene Dietrich y Harry Liedtke, quien doblado por el propio Tauber, en un momento determinado del mismo canta integramente la canción, realizando quizá uno de los primeros play back de la historia del audio.



Etiqueta del 78 r.p.m.alemán.



    Otra grabación importantísima de este mismo tema por la exitosa repercusión mundial que tuvo, fue la realizada por el sexteto músico vocal alemán "Die Comedian Harmonists" éste mismo 1928, sumándose a las mismas la realizada por la Jack Hylton Orchestra con Sam Browne como cantante, efectuando el registro bajo el título de "Fantasie über:  Ich küsse ihre hand, Madame", también éste 1928. 



El dúo autoral en un montaje promocional.

  
     Tan populares fueron estas grabaciones, que sin dificultad alguna son localizables hoy día en formato CD. en alguna de las muchas recopilaciones que existen en el mercado, especialmente las dos primeras.   

     La adaptación al castellano para que Gardel realizase su versión, estuvo a cargo de Luís Rubistein;  siendo este el décimo sexto cover de su carrera.



Doble LP del sexteto alemán en el que se halla reeditado el tema.









Pagan Love Song  

(“Amor Pagano”)

(Nacio Herb Brown y Arthur Freed)




  
Obsérvese que pese a no haberse estrenado aún el film, la etiqueta ya lo cita como parte de el.    Cuan diferente esta estratégia, a la llevada a cabo por Gardel, que por norma, grababa la versiones en disco de los temas de los films,  después de estrenados estos.


     El 7 de Marzo de 1929 tuvo lugar en los E. U., la grabación para el sello Victor, de la versión original de "Pagan Love Song", a cargo de Frank Munn & The Troubadours con Nat Shilkret dirigiendo la orquesta, cuya autoría corresponde al equipo compositor formado por Nacio Herb Brown y Arthur Freed, a quienes Gardel en plazo muy breve les volvería a grabar otro gran éxito en el que sería su siguiente "cover".     Esta obra fue escrita para el film MGM, "The Pagan", cuyos papeles estelares los interpretaban el prestigioso actor mejicano Ramón Novarro junto con Dorothy Janis.



En este registro del 30-3-1929, se cita la traducción al castellano de la canción, como "Canción de Amor Pagana".


    Pocos días después, concretamente el 30, el propio Munn, con el acompañamiento de The Copley Plaza Orchestra, volvería a grabar en N. Y. el vals, pero esta vez para el sello Brunswick.     En el film, Novarro interpreta el tema, que en buena lógica debiera ser la versión original del mismo, pero dado que la cinta fue estrenada el 27 de Abril de ese año, es obvio que tal condición le corresponde a la entrega de The Troubadours realizada nada menos que 51 días antes.    


Afiche de 1929 de dicho film.


    Como se puede apreciar, la preciosa versión hawaiana de Annette Hanshaw tenida mucho tiempo como la original, cede por pocas fechas tal particularidad, dado que fue realizada el 6 de Abril (también antes del estreno del film), no así nuestra admiración, recuerdo y afecto.





Nacio Herb Brown al piano y Arthur Freed de pie.


     La adaptación al castellano de esta canción para que Gardel la llevase al disco como décimo séptimo éxito estrenado por otro, estuvo también a cargo de Luís Rubistein.    Esto ocurrió el 31 de Diciembre de 1929 en Buenos Aires.



Partitura de la célebre obra.










“You Were Meant For Me”

(“Yo Nací Para Tí, Tú Serás Para Mí”)

(Nacio Herb Brown y Arthur Freed)




    

     
     Tal como se dijo en el cover anterior, la autoría de este que le sigue, su décimo octavo, y cuyo título original es "You Were Meant For Me", corresponde también al tándem compositor estadounidense formado por Nacio Herb Brown y Arthur Freed, cuya versión original se estrenó en el exitoso film musical de Harry Beaumont de 1929 "The Broadway Melody", con la presencia en los papeles estelares de Charles King, Anita Page y Bessie Love, siendo el primero el interprete de dicha versión original grabada en Hollywood el 11 de Abril de dicho año y poco después editada en disco en el sello Victor con número de catálogo 21965-A.



Versión original del famosísimo tema en la voz de Charles King.


     
Esta pelÍcula fue premiada con el Award al mejor film de ese año y puede decirse que fue fuente de inspiración en numerosísimos film musicales de los años posteriores, siendo el tema estelar recordado repetidamente en films de todos los estilos, especialmente siempre que se desea hacer referencia a momentos de aquel final de los felices 20's. 




Otro afiche del film.


     
Una vez más, la adaptación al castellano de tan celebrada obra, corrió a cargo de Enrique Cadícamo.



Una partitura del aclamado tema.







“Déjà”


(“Ya”)


(Jean Lenoir y Elie Aïvaz)
 



Disco editado el 19 de Octubre de 1927.    Información y foto por gentileza de David Silvestre.


     Este éxito francés intérpretado originalmente en 1927 por la cantante de ascendencia rusa Mme. Dora Stroëva (Barcelona (España), 23-12-1889 - La Roquette Sur Siagne (Francia), 2-5-1979), acompañada al piano por su compositor, bajo el número de catálogo D 19017 para el sello Columbia, el cual  fue también conocido en el mundo anglosajón con el título de "Love Me" (Waltz Song), con autoría de Jean Lenoir (nacido, Jean Bernard Neuburguer) y Elie Aïvaz y adaptación del texto cantable al idioma de Shakespeare a cargo de Dolly Morse, siendo grabado para aquellos mercados por la Nat Shilkret Orchestra, acompañada por el tenor Franklyn Baur, en 1929 entre otros muchos, tales como Lee Morse, Paul Whiteman And His Orchestra, Chester Gaylor o Lewis James; todos ese mismo año.  



 

 
     Lo cierto es que le pudo llegar a Gardel por muy distintos conductos, siendo lo más probable que fuese a través de Gregor Kalikian (Krikor Bedros Kelekian), permaneciendo todavía inédita en nuestros días, la primera versión del mismo que éste realizase en París en un disco de prueba acompañado por sus guitarristas, el 28 de Mayo de 1931;  volviéndola a grabar con la orquesta del citado Kalikian el 21 de Septiembre del mismo año en Buenos Aires.



Dora Stroëva



     En términos ordinales, este fue el décimo noveno y antepenúltimo cover realizado por Gardel.








“Folie”
(“Locura)

(Alfred Nilson Fysher)



Llama la atención el modo de escribir con "y" el apellido primero, así como el de unir ambos con un guión, cual si de dos personas distintas se tratase, o en su defecto, de un apellido compuesto.


    Este oscuro (puesto que verdaderamente no se puede hablar de él como de un éxito internacional a la altura popular de los restantes que componen el presente episodio) y muy socorrido título (dado que existen en todas las épocas, docenas de homónimos de otros autores), que indudablemente debido a la suma de ambos factores, ha sido el más difícil de ubicar, puesto que ni el excelente, muy especializado en estos menesteres y admirado Orlando del Greco, ni ningún otro de los muchísimos y prestigiosos biógrafos que en el curso de los años se ocuparon de los asuntos del Zorzal hizo jamás referencia a ello, dando todos, cuando hacían alusión al asunto, una ambigua y genérica definición de "una famosa canción francesa", aventurando lo primero y reiterando lo segundo por obvio.    El enigma llegó hasta el extremo de creérsele finalmente y durante muchísimo tiempo, una obra estrenada por el propio Gardel.    Afortunadamente hoy, 95 años después, tras no pocos intentos y muchísima perseverancia, podemos ¡por fin!, esclarecer los datos sobre el origen de este vals.  

    En cuanto a lo referente a la grabación e incorporación del mismo a la discografía, siguiendo en paralelo los pasos de su predecesor "Déjà", El Morocho lo registró el 28 de Mayo de 1931 con dos guitarras (Barbieri y Riverol) en París, permaneciendo en nuestros días  la toma -1 de aquella sesión, aún inédita;  y volviéndola a grabar con la orquesta de Gregor Kalikian el 21 de Septiembre del mismo año en Buenos Aires.   



Hector Pellerin (1887 . 1953) 


    Realmente se trata de una vieja canción que grabó con orquesta en 1922 en Ontario (Canadá), el barítono Hector Pellerin (1887 - 1953) numerada en su catálogo 12047-B, para el sello "Starr Gennett", ignorándose con exactitud cómo le llegó al Zorzal la información de la existencia de la misma, que a la postre pasó a ser su vigésimo y antepenúltimo cover; agrandándose la dificultad para conocer esto, al estar en esa época concreta el Cantor, totalmente inmerso en la vorágine de su incipiente carrera cinematográfica, con la filmación de su "ópera prima" europea "Las Luces de Buenos Aires".    En cualquier caso al ser un tema originario del '22, bien podría tener idéntica fuente de influjo que la de aquellos lejanos “J’Ai Fait Trois Fois Le Tour Monde” y "Je Ne Peux Pas Vivre Sans Amour";  ambas francófonas y del mismo año, y que, como poco, evidencian el interés del Astro por las melodías de dicha procedencia, antes inclusive de pisar artísticamente Europa por primera vez.



Ilustración "Art Déco" francesa de 1928, promocionando las melodías de Alfred Nilson Fyscher (17-8-1871 Smyrna (Turquía) - 1-1931 París (Francia)).    Tras el título, en segundo término se propone "Folie".    Por gentiliza de imagesmusicales.be.



      Ni que decir tiene, que a partir de aquel registro fonográfico del "Supremo Cantor", desapareció para siempre todo signo de oscuridad en el precioso tema, tornándose dicho efecto en amplia popularidad y prestigio resplandeciente.










“Comme Se Canta A Napule”

(“Como Se Canta En Nápoles”)

(E. A. Mario)



 


     Son tantas las versiones realizadas de ésta canzoneta napolitana cuyo título original es "Comme Se Canta A Napule", que se hace prácticamente imposible determinar cual de ellas fue la primera que se registró en disco, pero por las fechas, no iremos muy desencaminados afirmando que sin lugar a dudas, una de las primeras en hacerlo fue la del tenor neoyorkino de origen español, Emilio de Gogorza quien la registró en 1910/1911, misma época en que su autor E. A. Mario (realmente Giovanni Ermete Gaeta) la compuso.    


Emilio de Gogorza en 1898


     Hoy día, ya acabando la primera década del año 2000, no hay intérprete napolitano que se resista todavía a incluirla en su repertorio, estando catalogado como uno de los temas más clásicos de dicho género.  

     No se conoce la autoría de la adaptación al castellano de la versión que llevó al disco Gardel, y es una ¡lástima!.     Pudiendo venir el olvido en imprimir este dato en la etiqueta del disco, quizá por el malestar reinante en el entorno del Cantor, motivado por la crítica adversa a la interpretación de la misma, que recibiese el 15 de Septiembre de 1931 a través del diario "Critica" por parte de  "su amigo" Carlos de la Púa (Carlos Muñoz o Malevo Muñoz);  la cual provocó tal convulsión e indignación en el Zorzal, que como ignorancia frontal y firme respuesta a esta, marchó raudo al estudio de grabación a inmortalizarla en disco al día siguiente (16), contabilizando con ella su vigésimo primer y penúltimo cover.



Giovanni Ermete Gaeta (E. A. Mario)  (Nápoles, 5 de Mayo de 1884 - Ib., 24 de Junio de 1961)



     Visto el suceso con la ventaja de la distancia temporal, hay que reconocer que el "Malevo" no estaba muy al tanto de lo que ocurría musicalmente por el mundo, en el  que Gardel se movía como pez en el agua.


 









“Parlez-Moi D'Amour”   

(“Háblame de Amor”)
(Jean Lenoir)







     Y acabamos nuestro estudio sobre los covers realizados por Carlos Gardel a lo largo de su carrera con éste vigésimo segundo y último "Háblame de amor" de Jean Lenoir cuya versión original en francés registró Lucienne Boyer el 10 de Abril de 1930 con orquesta dirigida por Bruno Codolban, la cual fue galardonada con el Grand Prix Du Disque y siendo con el paso de los años una de las mejores canciones francesas de todos los tiempos, lo cual viene a corroborar el exquisito gusto de Gardel por la elección de su repertorio. 



El inspirado y prestigioso compositor francés Jean Bernard Daniel Neuberger (Jean Lenoir).





Segunda edición del 78 r.p,m. inglés.

  
     Aquí no hubo necesidad de adaptar el tema al castellano, dado que lo interpretó en el idioma original con cuatro guitarras en Buenos Aires, el  9 de Marzo de 1933.




Poster promocional de la obra.






- RESUMEN -


     De las 22 interpretaciones de éxitos extranjeros que a lo largo de su carrera realizó Gardel, diez tenían procedencia anglosajona, matizando que de estos, uno era un poema, y otro (Valencia), aunque de autor español, fue un tema grabado por primera vez en los U.S.A. por lo cual en honor al rigor histórico, hay que incluirlo en los de dicho origen;  cinco provenían del francés, dos del alemán y de Colombia;  y finalmente uno del Ecuador, otro de Hungría y otro del dialecto napolitano.

    De todos ellos, cinco fueron divulgados a través del cine (cuatro en films norteamericanos y uno alemán*), y tres a través de la opereta, dos francesas y una austro-italiana.   Siéndolo los trece restantes (con la exclusión del poema), a través del disco.

    *Sobre la propagación del tema en el film alemán, hay que recordar que la canción en sí ya había sido grabada previamente en disco por el mismo intérprete, pero indudablemente, potenció su popularidad el hecho de su inclusión en dicho medio.

    En cuanto a géneros y estilos musicales, la variedad es amplia, componiéndose la misma con un empate a cinco entre el Fox-Trot y el Vals, seguidos por la canción, con cuatro exponentes, y finalizando con dos bambucos, un pasillo, un rondeau-valse, un shimmy, un pasodoble, una balada rusa y el consabido poema.








NOTAS:  Sobre "Mis Perros", "El Vagabundo", "Je Te Dirai" (Yo Te Diré) y "El Día Que Me Quieras".


      Sobre los dos primeros (originariamente bambucos colombianos ambos), al margen de conocer que son fruto de la ya comentada y en ese sentido muy productiva gira chilena del '17, no he podido constatar que exista de ninguno de ellos grabación alguna en disco, anteriores a la de Gardel en el primer caso, y a la del dúo en el segundo, siendo bastante probable que en un futuro pudiese aparecer alguna de ellas.


    Proveniente del mismo estudio y autor de lo al inicio relatado, concerniente a "Asómate A La Ventana", lamentablemente caracterizado por (bajo la exhibición de un sinfín de títulos académicos ("síndrome de titulitis")), hacer alarde de su aparente e imaginativa "sapiencia", aventurando cosas que posteriormente han resultado ser totalmente falsas, razón por la que,  haciendo un ejercicio de respeto hacia él, del que él, en vida, adoleció hacia los demás y a la postre hacia sí mismo, su nombre no citaré, aseguró sobre el segundo título, cuya composición se asigna a Fulgencio García, que:  con número de catálogo C885 del sello Columbia, fue grabado en Julio 1910, obviamente antes que la versión del dúo;  con el título de "El Bagamundo Antioqueño" (sic), por "La Lira Antioqueña con Calle y Ochoa", un grupo cultural muy activo en su época  compuesto por trovadores, que exportó el arte colombiano allende sus fronteras.    Pero escuchada esta grabación, que se trata de un tema "instrumental" y no cantado, como aquel aducía (cosa que también extraña bastante, puesto que el cometido del dúo compuesto por Leonel Calle y Eusebio Ochoa, precisamente era el de interpretar vocalmente el texto cantable de los temas a registrar), verdaderamente hay que echarle mucha imaginación (¡demasiada!, diría yo), para encontrarle alguna asociación melódica con el interpretado por Gardel - Razzano;  y ello aún considerando que los diferentes arreglos y adaptaciones para ser interpretado a dúo, llevado a cabo por estos y probablemente anteriormente también por otros, hubiesen podido influir de algún modo en la transformación del mismo.    En definitiva, se puede asegurar que no tienen nada que ver el uno con el otro, salvo su encuadre en el género musical denominado bambuco y la asociación de ideas que pueda provocar en cada cual, aquello de "El Bagamundo" con "El Vagabundo".    A eso se ciñe todo.

     Imagen de la etiqueta del disco aún no me ha sido posible conseguir, con lo cual en lo referente a los créditos del mismo (título con la "B" e intérpretes que no cantan), sigue reflejándose lo manifestado por "aquella eminencia", dado que a su vez, estos también coinciden con los expresados por la persona que subió a Internet el audio de dicha obra, lo cual nos invita a pensar en principio, que aún con sus hipotéticos errores, estos son ciertos.    En cuanto a dicho audio, al igual que en el caso de "Serenata", también indicado al inicio, es de fácil ubicación en la web, habiéndose tomado de allí el resto de datos insertos en sus créditos, para completar los reflejados en el párrafo anterior.

     Cabe comentar de pasada, que en el citado estudio se hace referencia (procedentemente) al tango "El Brujo", como tema realizado por un autor colombiano (Eduardo Carrasquilla Mallarino, con música de Juan Carlos Bazán), no procediendo su inclusión en éste, por ser una pieza estrenada instrumentalmente por Roberto Firpo y poco después, grabada por Gardel el 17 de Noviembre de 1926, al haberse hecho acreedora a ello, obteniendo el primer premio del segundo concurso de discos Nacional, de 1925, celebrado en el cine-teatro Grand Splendid, y promovido por Max Glücksmann para promocionar su empresa y las obras recomendadas por la misma.


El recordado compositor del instrumental "El Bagamundo Antioqueño", Fulgencio García (10 de Mayo de 1880, Purificación, (Tolima) - 4 de Marzo de 1945, Bogotá (Colombia))



     Ya sobre el tercero, aunque por el título y el hecho de estar interpretado en francés todo hiciese pensar de que se tratase de un viejo éxito de otro artista, lo cierto y verdad es que no se ha localizado registro alguno de este título anterior al de Gardel, con lo cual, salvo sorpresas ulteriores, queda desestimado en principio, que se pudiese tratar de un cover más.



     Y es que para esas fechas (Septiembre de 1931), Gardel ya había consolidado su posición en Francia y los autores comenzaban a ofrecerle material inédito a estrenar, como ésta belleza de Michel Emer (también conocido por el seudónimo de: Guillian) y Rosenstein más el propio Gregor Kalikian; que grabó con acompañamiento de la orquesta dirigida por el último a su regreso a Buenos Aires. 



     Ya para finalizar, recordar que en un alarde de honradez profesional que le honró ¡y no poco!, para la utilización "del título e idea general" (que no del texto) que dio origen a la que a la postre sería penúltima película del Morocho en los U.S.A. y canción insignia del mismo en el mundo entero; Alfredo Le Pera, por escrito, pidió permiso a los herederos del autor de unos versos publicados en 1915 en Méjico, Amado Nervo, para que le permitiesen su utilización, cosa a la que estos amablemente y sin poner objeción alguna, accedieron.  



José Amado Ruiz de Nervo (Tepic, Nayarit (México), 27-8-1870 - Montevideo (R. O. del Uruguay), 24-5-1919).


     Esto, aún contado así, da que pensar o da pie a entender que probablemente parte de los versos pudieron servir de inspiración a Le Pera para su inmortal creación y por esa razón, creo oportuno exponer a su consideración aquellos del '15 para que sean Vds. los que a la postre juzguen finalmente en que medida sirvieron a éste a tal fin, resaltando en negrilla aquellas partes que evidentemente lo fueron.


Amado Nervo
El Día Que Me Quieras  (1915)

El día que me quieras tendrá más luz que junio;
la noche que me quieras será de plenilunio,
con notas de Beethoven vibrando en cada rayo
sus inefables cosas,
y habrá juntas más rosas
que en todo el mes de mayo.

Las fuentes cristalinas
irán por las laderas
saltando cristalinas
el día que me quieras.


El día que me quieras, los sotos escondidos
resonarán arpegios nunca jamás oídos.
Éxtasis de tus ojos, todas las primaveras
que hubo y habrá en el mundo serán cuando me quieras.

Cogidas de la mano cual rubias hermanitas,
luciendo golas cándidas, irán las margaritas
por montes y praderas,
delante de tus pasos, el día que me quieras...
Y si deshojas una, te dirá su inocente
postrer pétalo blanco: ¡Apasionadamente!

Al reventar el alba del día que me quieras,
tendrán todos los tréboles cuatro hojas agoreras,
y en el estanque, nido de gérmenes ignotos,
florecerán las místicas corolas de los lotos.

El día que me quieras será cada celaje
ala maravillosa; cada arrebol, miraje
de "Las Mil y una Noches"; cada brisa un cantar,
cada árbol una lira, cada monte un altar.

El día que me quieras, para nosotros dos
cabrá en un solo beso la beatitud de Dios
.


     Este verso, realmente muy popular en su época, no tengo constancia de que fuese llevado al disco ni a ningún otro tipo de ejecución mecánica por artista alguno anterior a la grabación que consagrara Gardel, por lo cual no ha sido considerado en ninguna de sus formas, como un éxito extranjero interpretado por otro a incluir en este trabajo, habiendo sido comentado en el mismo exclusivamente por las razones expuestas.




agradecimientos -



     Quiero agradecer el aporte realizado por Dña. Ana Turón en forma de documento realizado por un tercero, sobre los temas provenientes de autores colombianos, por cuya recepción y muy al margen de las "inexactitudes" insertas en él (ya sobradamente comentadas), me fue posible tirar del hilo para incorporar a este estudio, las obras de dicha procedencia, las cuales, al estar acreditadas a apellidos originarios de nuestra cultura (eso cuando no, con usurpaciones autorales), ofrecían indudablemente, mayor dificultad que otras, para poder ser identificadas como obras extranjeras estrenadas y grabadas por otros intérpretes, antes de que las llevase Gardel al disco.     ¡Muchísimas gracias! por ello;  a Dña. Ana y al autor del interesante documento.


     Y...  ¡claro!;  ni que decir tiene, que al igual que en los casos anteriores, cualquier tipo de aportación a los cabos pendientes o de corrección a los tratados, será recibido con inmensa alegría y total agradecimiento, el cual ya os es inherente por el mero hecho de vuestra visita.    Ello como es habitual, lo podréis realizar a través del e-mail CGARDEL1@Yahoo.es     Por último, manifestar la dedicación de este trabajo a mis nietas Leyla y María, con el ferviente deseo de que sean convencidas Gardelianas de pro y corazón del futuro.        


                                                                                                                          ¡Salute!.

3 comentarios:

  1. Felicito al autor de todo corazón! La mayoría de los que disfruten leyendo este trabajo, no tienen idea del tiempo, esfuerzo, paciencia, que conlleva preparar un estudio como este, pormenorizado, espléndidamente ilustrado con fotos y otros documentos. Bravo! Cristóbal Díaz Ayala. Escritor e investigador, pero no de esta talla! CDA

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  2. Muchísimas gracias amigo Cristóbal por sus amabilísimas palabras que aprecio especialmente por notarlas muy sinceras. Un fuerte abrazo.

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  3. Estimado amigo José Manuel Ródenas Valero

    Excelentes sus investigaciones. En nuestro programa "Gardeliando" que se emite en la radio de internet "Conexión Abierta" de la Universidad Abierta Interamericana los domingos a las 11 horas de Buenos Aires, comentaremos sus aportes. Corduiales saludos

    Julián y Osvaldo Barsky

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